Pedido para la Remake:
dos minipan de 1000
fresnel 750
rebotador de luz
camara reflex Hd
rebotador

Elegí esta estatuilla de caballos porque me hizo acordar que en el senado de la nación hay una igual o muy parecida,en frente de al cúpula, la única diferencia es que a esta le falta la cabeza del jinete y a la del congreso no...esto me llamo la atención, porque me parece que debería ser al revez

el objetivo dramático de la escena elegida lo elegí porque a mi entender estas escenas crean un sentido dramático en su conjunto.ya que en la primera escena el protagonista se encuentra en un baño, en un ambiente oprimido,oscuro y a punto de suicidarse con muchos P.P. y P.M. y en al otra escena se encuentra en una plaza al aire libre con mucho mas espacio,nada de opresión y libre de las matemáticas y también no le importa el resultado de la cuenta que el pregunta jenny...es decir el sentido dramático de estas dos escenas nos muestra la transición de Max luego de suicidarse y sentirse libre

Plano 1: Plano detalle de rama de árbol

Plano 2: Plano pecho de max hasta que llega jenna

Plano 3: plano general hasta que jenna le acerca una hoja

Plano 4: Plano detalle de hoja en la mano que corrige a plano pecho con seguimiento hasta que se sienta

Plano 5: Primer Plano de max escuchando la pregunta de jenna

Plano 6: Primer Plano de Jenna diciéndole a max que tiene el resultado

Plano 7: Primer Plano de Max diciendo que no sabe el resultado

Plano 8:Primer plano de jenna diciendo el resultado

Plano 9: Primer plano de max viendo el resultado en la calculadora

Plano 10: Primer Plano de jenna jugando con la calculadora

Plano 11: Primer plano de max donde jenna le pregunta otro resultado y max mira hacia arriba, la cámara corrige

Plano 12: Plano detalle de rama de árbol con zoom out

Plano 1: Primer plano en el espejo desde el comienzo de la escena hasta que toma la hoja

Plano 2: Plano pecho de espaldas desde que toma la hoja, la mira fijamente la dobla y la toma con la boca, hasta enciende un fosforo

Plano3: Primer plano con referencia desde que enciende el fosforo con la hoja tomada con la boca, agarra la hoja con la mano y enciende la hoja por la parte inferior, observa cómo se quema hasta que la tira.

Plano 4: Plano pecho de espaldas desde que mira hacia abajo y toma un artefacto

Plano 5: Primer plano con referencia desde que mira el artefacto hasta que se mira a él fijamente al espejo

Plano 6: Plano Pecho de espaldas desde que se afirma frente al espejo tomando la ahujereadora hasta que se perfora la cabeza

Eleccion de nueva escena de REMAKE  de la pelicula PI:
elegí una nueva escena ya que en las anteriores hice una edición de tres escenas.

siguiendo este enlace se podrá apreciar la escena elegida:
http://www.youtube.com/watch?v=PA-rhasDdRo&context=C4acfbb4ADvjVQa1PpcFMunkwQGAj426RAfxa_5dDZvaMcnGL-uD8%3D

Nouvelle vague Francesa (Nueva ola)

es la denominación que la crítica utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido a finales de la década de 1950. Los nuevos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine francés imponía hasta ese momento y, consecuentemente postularon como máxima aspiración, no sólo la libertad de expresión, sino también libertad técnica en el campo de la producción fílmica.

"Une certaine tendence du cinéma française" es el título de un famoso artículo escrito a principios de 1954 por François Truffaut que fue publicado en la revista más prestigiosa de cine mundial por aquellos momentos, "Cahiérs du Cinema". El texto contenido en ese artículo puede considerarse como el punto de arranque de las teorías fílmicas de la conocida corriente denominada Nouvelle Vague francesa. Esta nueva ola modificó las normas narrativas y temáticas del mundo del cine y abordó críticamente la totalidad de la historia del mismo, significando en su valía la importancia de la teoría de autor.

Años atrás al escrito de Truffaut, en 1948, el director y crítico francés Alexandre Astruc ya había concedido gran importancia en la revista "L'Ecran Français" al trabajo del realizador/autor, proclamando un nuevo estilo fílmico acuñado como "caméra-stylo" y afirmando: "Si el escritor escribe con una pluma o un bolígrafo, el director escribe con la cámara".
Lamentablemente y a veces, este afán estilístico conlleva una rémora en el contenido plasmado en pantalla, pudiendo provocar la dictadura del estilo, otro error en la forma de proyectar un título cinematográfico.

Otro gran teórico del cine, André Bazin, editó junto a Jacques Doniol-Valcroze en 1947 una nueva publicación sobre el séptimo arte, llamada "Le Revue du Cinema", que con el paso de los años se rebautizaría como "Cahiérs du Cinema", revista en la cual comenzarían a colaborar gente como el citado Truffaut, Claude Chabrol, Jean Luc Godard, Jacques Rivette o Eric Rohmer, personajes con un afán crítico demoledor pero constructivo.
Demoledor contra el cine academicista instituido en la Francia de la época y constructivo en el asentamiento de los cimientos del cine moderno.
Truffaut en su artículo atacaba a las producciones que sólo se ocupaban de la "qualité" y las buenas adaptaciones literarias y se olvidaban de aportar su punto de vista personal a la obra.

Los creadores de la Nouvelle Vague se preocupaban por que el film se considerase por encima de todo como una obra de autor, significaba que el director tenía que encontrarse creativamente por encima de cualquier otro personaje envuelto en la producción de la película, la película tenía que salir de él; ni el guionista, ni el productor, ni los estudios podían inmiscuirse en la labor creativa del verdadero hacedor del film, el director y sus ideas sobre el cine y la vida. Al mismo tiempo, proclamaban una mayor libertad narrativa, ausencia de comercialidad como fin y un mayor número de filmaciones en localizaciones exteriores y naturales.

Bien es cierto que con el paso del tiempo, estos propios directores, con raras excepciones, se acomodaron a un cine más comercial y su narración se ubicó en formas clásicas pero intentando mantener sus premisas básicas sobre el modo de construcción de sus obras.
Estas condiciones y características fílmicas establecieron asimismo una revisión crítica a muchos antiguos cineastas, en muchos ocasiones injusta y que ellos mismos, con el paso del tiempo se retractarían de sus previos e influyentes comentarios.

Lo verdaderamente importante es que la teoría de autor y sus convicciones creativas provocaron una convulsión en el mundo del celuloide, que ya había comenzado unos años antes del debut de los críticos del "Cahiers de Cinema" con las películas de Louis Malle "Ascensor para el cadalso" (1957) y "Los amantes" (1958) o de Roger Vadim "...Y Dios creó la mujer" (1957), film en el cual se presentaba en sociedad a la sex-symbol Brigitte Bardot. Fueron títulos de notoria resonancia comercial y bajo presupuesto, que animarían a los beligerantes críticos franceses a emprender sus propios largometrajes tras debutar anteriormente haciendo cortos.

François Truffaut obtendría un clamoroso triunfo con "Los cuatrocientos golpes" (1959), pelicula dedicada a su mentor André Bazin y con la cual ganó el premio al mejor director en el Festival de Cannes. Asimismo introducía a un personaje clave en su cine, su alter ego Antoine Doinel, interpretado por Jean Pierre Léaud.

Jean Luc Godard asombraría con "Al final de la escapada" (1959), un film ya mítico, ideado por François Truffaut y con diseño artístico de Claude Chabrol. El propio Chabrol presentaría "El bello sergio" (1958), un título financiado con la cuantiosa herencia de su mujer.

Junto a ellos, una gran cantidad de cineastas surgieron en Francia siguiendo las nuevas tendencias: Alain Resnais, Jacques Demy, Philippe De Brocca, Alain Robbe-Grillet, Agnes Vardá o Jean Rouch, entre otros muchos, fueron creadores que revolucionaron los convencionalismos establecidos, siendo imitados en muchos países por las nuevas corrientes de realizadores jóvenes con ganas de mostrar al mundo un cine más personal, independiente y liberado.

Darren Aronofsky

Darren Aronofsky

Darren Aronofsky nació el 12 de Febrero de 1969, en el barrio de Brooklyn, Nueva York.
Su vena artística salió a flote pronto, pues de bien pequeño comenzó a adorar las películas antiguas y a pintar graffitis por las calles de su barrio junto a sus amigos. Después del instituto ingresó en Harvard para estudiar cine (tanto real como animación).
Unos años después, una vez finalizó los estudios, comenzaron a llegarle los primeros premios gracias a su película tesis, "Supermarket Sweep", la cual además le sirvió para ser finalista en National Student Academy Award.
Tras la graduación entró en el American Film Institute y en 1993 su película tesis "Protozoa" le sirvió para dar a luz para muchas de sus técnicas visuales que más arde utilizaría en sus largometrajes profesionales. 

SINOPSIS DE PI:
El debut de Aronofsky como director de largometrajes se remonta al año 1998, fecha en la que se estrenó la película Pi π (Pi, el orden del caos en Latinoamérica, Pi, fe en el caos en España). Esta cinta narra la vida de un brillante matemático (Max) que está obsesionado con la idea de que, pese al aparente caos que rige el universo, existe un sistema numérico capaz de prever y controlar todo cuanto sucede en él. Centrándose para ello en el estudio del mercado bursátil, Max cada vez se acercará más a desentrañar el misterio que se oculta tras esa fórmula matemática que aparentemente controla todo, y que le lleva inexorablemente al número Pi. Ansiosos por hacerse con el increíble descubrimiento que Max está a punto de revelar, una agresiva firma de Wall Street y una secta judía le acosarán para hacerse con tan preciado botín.

La película trata sobre Maximillian Cohen, un matemático muy reservado, bastante paranoico y aquejado de fuertes migrañas, quien cree que toda la naturaleza puede ser representada mediante números. Max pretende descubrir el modelo matemático de la bolsa a través de cálculos y programas propios que introduce en su ordenador Euclides. Después de una inspiración provocada por la cábala, que le enseñan un grupo de místicos judíos, Maximillian crea un programa con el que consigue unas pocas predicciones impresas en un papel, pero a costa de fundir el ordenador y los datos, debido a un bug (error de software) que hace que aparezca un número de doscientos dieciséis dígitos después de las predicciones. Decide tirar el papel de las predicciones y el bug pensando que se trataba de un fallo en el programa.

Cabe destacar que la fotografía de este thriller matemático fue en blanco y negro, y que el compositor de la banda sonora de la misma fue su gran amigo Clint Mansell, colaborador habitual de Aronofsky en el resto de sus películas. El filme apenas costó 60.000 dólares, por lo que el mérito de la película es aún mayor.

La cinta logró un gran éxito de crítica y público, y obtuvo varios galardones, entre los cuales destaca el del Festival de Sundance, que reconoció a Aronofsky como Mejor Director en 1998.

La película que siguió a Pi, fue Réquiem por un sueño (Requiem for a dream), estrenada en el año 2000. Basada en la novela de Hubert Selby Jr (quien también desempeña las labores de guionista), la película se centra en el mundo de las drogas (y otras adicciones) y en las devastadoras consecuencias que tienen estas en un grupo de personas. Este segundo trabajo del director neoyorkino fue aclamado mundialmente por crítica y público y se convirtió instantáneamente en un clásico de culto. Su enorme poder visual, unido a una banda sonora hipnótica (obra también de Clint Mansell, cuyo tema Lux Aeterna ha sido remezclado y utilizado en decenas de trailers cinematográficos posteriores) y a unas interpretaciones sobresalientes (Ellen Burstyn estuvo nominada al Oscar y al Globo de Oro a la mejor actriz por su trabajo en este filme) dieron como resultado este exitoso segundo trabajo de realizador de Brooklyn.

 La película se hizo con numerosos premios, entre ellos la Espiga de Oro del Festival de Valladolid.

La siguiente película de Aronofsky no vería la luz hasta más de un lustro después, en el año 2006, fecha del estreno de The fountain (La Fuente de la Vida). Con un presupuesto pequeño después de tener problemas con el estudio y actores que decidieron retirarse tales como Brad Pitt y Cate Blanchett, y se contó actores de la talla de Hugh Jackman, Rachel Weisz y Ellen Burstyn (de nuevo), Aronofsky nos muestra 3 historias donde Jackman y Weisz interprentan diferentes papeles, un científico de tiempos actuales con su esposa enferma, un conquistador y su reina, y un viajero espacial que tiene alucinaciones con la esposa que perdió. Es una perfecta historia sobre el amor y la muerte^.

La película pasó con más pena que gloria por la taquilla mundial, y esta vez no pudo contentar completamente a todo el mundo. El filme produjo una enorme división de opiniones tanto en la crítica especializada como en el público, yendo desde los que la criticaron duramente, hasta los que la encumbraron como una de las grandes obras cinematográficas de los últimos tiempos.

En cualquier caso, cabe reseñar la nominación de Clint Mansell (de nuevo a cargo de la banda sonora) a los Globos de Oro por su partitura, o la de Darren Aronofsky al León de Oro en el Festival de Venecia, entre otras.

En el año 2008 presentó El luchador, su cuarto largometraje que obtuvo el León de Oro del Festival de Venecia. La película está protagonizada por Mickey Rourke yMarisa Tomei, y narra la vida Randy Robinson, un antiguo campeón de lucha libre que se encuentra en el ocaso de su vida profesional. La crítica considero la película de Aronofsky la mejor del festival y una de las mejores del director.

Su último trabajo, Black Swan (Cisne negro), se estrenó en Estados Unidos el 1 de diciembre de 2010. La película, considerada un thriller psicológico, cuenta con la participación como protagonista de Natalie Portman (papel que le valió un Oscar como Mejor Actriz) interpretando a Nina, una bailarina de ballet de una compañía en Nueva York. La habilidad de Aronofsky logra captar en el film todo el perfil obsesivo y exigente que ronda el mundo de la danza como disciplina consiguiendo atrapar al espectador.

Aparte de realizar estos largos, Darren Aronofsky también es el autor de cortos como Supermarket Sweep (1991), Fortune Cookie (1991) y Protozoa (1993).

DIRECCION

Cisne negro - 2010

El luchador – 2008

La fuente de la vida – 2006

Requiem por un sueño – 2000

Pi – 1998

Protozoa – 1993

GUIONISTA

La fuente de la vida – 2005

Below – 2005

Requiem por un sueño – 2000

Pi – 1998

Protozoa – 1993

PRODUCCION

El luchador - 2008