MONTAJE EXPERIMENTAL

CBD

Propuesta dirección

Sólo se puede amar a quien se conoce y sólo se conoce a quien se respeta como ser único y diferente de la creación.

El síndrome de Down (SD) es un trastorno genético causado por la presencia de una copia extra del cromosoma 21 (o una parte del mismo), en vez de los dos habituales (trisomía del par 21), caracterizado por la presencia de un grado variable de discapacidad cognitiva y unos rasgos físicos peculiares que le dan un aspecto reconocible. Es la causa más frecuente de discapacidad cognitiva psíquica congénita¹ y debe su nombre a John Langdon Haydon Down que fue el primero en describir esta alteración genética en 1866, aunque nunca llegó a descubrir las causas que la producían. En julio de 1958 un joven investigador llamado Jérôme Lejeune descubrió que el síndrome es una alteración en el mencionado par de cromosomas.

En cuanto a las primeras sensaciones es una situación que transcurre con luz noche en un interior, aunque le agregaría una locación en la casa que sería el living con televisión para agregar una escena al final, donde se los ve a ellos comiendo y mirando la película.

Argumento

De Luciano Villarreal

Santino, un joven de dieciocho años con un ligero retraso mental, juega a las pulseadas con su hermano mayor Mauro en su habitación. Suena el teléfono, Mauro le suelta la mano y baja a atender, Santino se sienta en el escritorio junto a su cama y, feliz,  pega una fotografía en un cuaderno. Mauro recibe un llamado de un amigo, informándole que consiguió a último momento entradas para ver a Red Hot, se emociona muchísimo por la noticia y pide que le guarden un lugar, pero recuerda que tiene que cuidar a su hermano Santino durante la noche. Su amigo le recalca que es una oportunidad única y que tiene que ir, además le pide que por favor traiga una mochila. Él dice que se va a encargar y que lo llame en diez minutos. Corta, piensa unos segundos seriamente y llama por teléfono a una vecina para pedirle si puede hacer de niñera esa noche, pero no está disponible.

Sube la escalera e ingresa a la habitación de Santino. El menor lo reta a otro duelo de pulseadas. Mauro anuncia que tiene que irse pero volverá en unas horas, antes que los padres. Santino le reprocha que alquilaron una película para verla juntos, pero Mauro le dice que la pueden ver mañana. Santino amenaza con llamar a sus padres si se va. Mauro le ofrece dinero, luego sube la oferta a dos semanas de limpieza de su habitación,  le dice que lo llevará al parque todos los días; Santino ofendido guarda silencio y comienza a sollozar levemente. Mauro le pide que no haga eso, que se quedará y que traerá la película para ver; su hermano se alegra. El mayor toma la mochila de su hermano, dice que la necesita para una cosa, y al salir de la habitación, se detiene, da la vuelta y cierra la puerta con llave.  

Santino se sorprende. Mauro le dice que volverá en unas horas y que no se asuste, que lo llame al celular por cualquier cosa. Santino  empieza a patear la puerta y a pedir que le abra. Mauro baja corriendo la escalera, se pone una campera y recibe un llamado de su amigo nuevamente. Le dice que irá pero que tiene que volver rápido. Santino grita desde la habitación y a Mauro le duele escucharlo. Manteniendo el teléfono con el hombro, toma la mochila de Santino y tira todos los útiles que tiene dentro en la mesa. Mira el cuaderno que ha quedado abierto y le llama la atención una foto de ellos dos. Encima de la foto, hay una consigna que dice: “una fotografía de la persona que más amas en el mundo”. Mauro mira la foto maravillado. Ignora a su amigo que le habla por teléfono y corta. Sonríe emocionado mientras mira el cuaderno.

Santino, ofendido, sentado en un rincón de su habitación, oye que la puerta se abre. Mauro aparece y pide perdón, luego extiende su mano y le dice que acepta el reto de pulseadas. Santino, alegre, toma su mano y se levanta, ambos se van de la habitación. 

Primera visualización:

Es importante que las edades de los protagonistas se noten claramente aunque probaría que Santino tenga 15 años y Mauro ya supere los 21 años de edad. Ya que así Santino puede ser un poco mas infantil porque aunque tenga síndrome de Down (como yo lo veo) igualmente su comportamiento debe ser justificado, es decir, una persona con este síndrome dependiendo el grado y la edad que tenga será su comportamiento y además debemos contar que el actor también deberá tenerlo obviamente y para trabajar con un actor con esta enfermedad es importante que tenga un grado bajo de este síndrome, no porque no sean capaces sino para facilitar el trabajo a ambos. Aunque también es variable la actitud del actor porque depende mucho los estímulos que tuvo en su vida pero es algo para tener en cuenta. Lo que quiero destacar es que por tener síndrome de down no se va a portar porque si como un chiquilín sino que debe justificarse por eso la disminución de su edad con la original del argumento y más edad a Santino para mostrarlo aun mas irresponsable.

Probaría con agregar una o dos situaciones más de discusión entre ellos, para que sea más fuerte la sensación del espectador al ver el arrepentimiento de Mauro.

Puesta en escena:

                En cuanto a la locación es necesario que tenga dos pisos con una escalera bien visible para utilizarla ya que la quiero utilizar luego de una discusión entre los protagonistas y que Santino corra subiendo las escaleras es una imagen que me resulta interesante.

                Tiene que ser una casa de familia corriente, con tres habitaciones living comedor y cocina comedor, una casa con digamos clásica de los 90´con platos para comer redondos, y los ambientes con colores opaco pero a la vez una gran variedad de colores.

                Trabajaría con una iluminación fría en la casa pero en la escena final en el living cambiaria a una iluminación cálida. Es muy importante dos plano dramático diría yo para poder meternos en la visión de santino. Uno seria con santino que debe usar lentes y su visión del mundo si los lentes, a groso modo diríamos nublado, pero la idea es que esa visión es la visión que santino tiene del mundo, es decir, si nosotros miramos un Monet , observamos y distinguimos todos las cosas que están en la imagen pero con otra percepción, bueno eso es lo que quiero dar a entender. Y luego un plano de talle de sus pies recorriendo la escalera, sus pies pequeños para reflejar su fragilidad.

En cuanto al manejo de los planos, trabajaría con planos grandes para que los pequeños resalten más dramáticamente

Perfil Psicologico:

Santino:

Santi hace natación desde los 5 años siempre va a las clases con su mama y también comparte con su papa el habito de leer aunque en realidad el nunca lee por lo general solo se sienta al lado de su padre cuando el lee todas la noches busca un libro cualquiera y simula leerlo. Le encanta festejar cumpleaños y es una persona con muy poca tolerancia a la frustración, apenas recibe una noticia o algo de disgusto reacciona rápidamente con insistir y luego a la negación automáticamente. Siempre le gusta ser el centro de atención aunque es un poco vago o con poca iniciativa para realizar tareas para lo que siempre busca el apoyo de su hermano. En el colegio tiene muchos amigos, le encanta levantarse y ya tener el desayuno preparado aunque es medio perezoso a la hora de despertar.

                Siempre con su familia fue una persona muy tierna y demostrativa, no tiene problemas en decir lo que piensa y en hacerlo, al entrar en la adolescencia, como todo adolescente hubo muchos cambios en el e inquietudes con respecto a la sexualidad con lo cual los padres no saben cómo charlarlo con él y buscan siempre consejo y ayuda con profesionales. Santino a los 15 años ya tuvo su primera noviecita de colegio que ya no ve más porque ella se mudo, está en su último año de colegio y ya está pensando aunque sin saber que estudiar más adelante.

Mauro:

Mauro es un joven de 21 años de edad que desde chico siempre fue una persona muy inquieta en el colegio tenía problemas para prestar atención, no porque no sea inteligente sino que se distrae muy fácilmente, siempre hizo muchos deportes futbol, natación, hándbol y siempre participa en los equipos del colegio hasta llegar a su adolescencia donde siempre le gusto lo que estaba de moda, paso ser un fanático del cuarteto y la cumbia al principio de su adolescencia solo porque sabía que así molestaba a sus padres, decidió cambiarse de colegio a una carrera más sencilla ya que iba a un colegio doble turno. Al cambiarse de colegio a los 17 años se hizo fanático del hard rock siempre con pantalones rotos, camperas de jeans, etc. Al terminar al secundaria comenzó a estudiar publicidad y es parte de un grupo de skaeters y es un gran fanático de los red hot chili peppers.

El comienzo de su adolescencia también fue difícil para el ya que santino reclamaba mucho tiempo a sus padres que el consideraba que no era tiempo que era de el, al crecer entendió que no era así sino que su hermano lo necesitaba también y siempre fueron grandes compañeros y también de compañeros de cuarto.

REMAKE INVASION

PORTFOLIO: SANTIAGO BEJARANO: Remake Editado

PORTFOLIO: SANTIAGO BEJARANO: Remake Editado: ~ Técnicos: Dirección: Santiago Bejarano Dirección de Fotografía: Diego Bonilla Sonido: Lucas Linkwailer Edición: Santiago Beja...

REMAKE INVASION

Escena Elegida

Planta de camara

Banda sonora CORTO EXPERIMENTAL

REMAKE Pi, fe en el caos

Corto experimental

En este corto experimental voy a tratar de crear una versión del pop-art pero para el cine, es decir una una visión en video del pop art, perdiendo un poco la compiscion de als imágenes del pop art y guiándome mas a través de su paleta de colores y la intención de demostrar todo lo ficticio alrededor de la imagen, tratando de registrar todo lo cotidiano, la ciudad, las revistas, los trenes, el dia a dia pero encontrar lo ficticio en ello a treves de esta concecion de colores y la multimplicacion de imagenes. Con movimeintos de cámara lentos  y un montaje con superposición de imágenes con colores saturados en casos específicos dependiendo la importancia de la imagen que cada vez debe ser ams fuerte.

Preguntas del texto de kracauer

1_ ¿Que es un film argumento
2_  una pantalla que trasmita una historia peirda automaticamente el sentido cinematico. ¿que tipo de cine nos trae esta reflexion?
3_ ¿un estilo de filmacion onirica y surrealista ¿a que tipo de cine hacemos referencia?
4_  ¿que es la avant garde?

Lucien Sève

Lucien Sève , nacido 9  diciembre  1926 en Chambéry , es un filósofo francés .

Admitido en 1945 en la Ecole Normale Supérieure (rue d'Ulm) , se agregan en la filosofía , en 1949 .

profesor de filosofía en la Escuela Francesa de Bruselas en 1950 , fue despojado de su cargo por "propaganda marxista - leninista  ".

 Con nombre en una pequeña ciudad francesa, se escapa el sobreseimiento definitivo de la Educación Nacional mediante la asignación en el 1952 a una unidad disciplinaria del ejército en Argelia . Se puede acceder a cualquier puesto de la educación superior o de investigación.

 Será durante veinte años profesor de filosofía en el último año de la escuela secundaria .

Publicó en 1956 una antología de textos comentados estaba grande, que le llevó a profundizar en la filosofía francesa académica xix ^º  siglo en el que muestra el papel de Victor Cousin en la represión contra el materialismo y la dialéctica en el marco del Segundo Imperio y ecos.

Lucien Sève fue elegido miembro del Comité Central del Partido Comunista Francés en 1961  , siguió siendo un miembro hasta 1994 .

En 1964 , un artículo en la revista escolar y de la nación tiene un importante impacto e importancia en la enseñanza pública y más allá: 'regalos' no existen .

Publicó en 1969 el marxismo y teoría de la personalidad . Este libro da lugar a un debate muy estrecha con Louis Althusser acerca de la interpretación de la VI ^ª tesis sobre Feuerbach, Marx y la conceptualización de la "esencia humana".

De 1970 a 1982 , dirigió la publicación Social.

En 1980 , aparece una introducción a la filosofía marxista , que pinta un panorama crítico de la filosofía clásica y las contribuciones de los grandes pensadores materialistas antiguos y Marx y Engels , Lenin, Gramsci y Mao Zedong .

En 1984 , Lucien Sève pide "radical reforma" comunista. Refundición se desarrolla sobre la base de un estudio detallado de las obras de Marx y Engels, y que esta en el comunismo, que un segundo aire?

Miembro del Comité Consultivo Nacional de Ética para el 1983 al 2000 , que promueve el concepto de "  persona en potencia  "para resolver las numerosas contradicciones que las éticas , médicas, en particular, las caras. Se presentan los resultados de su experiencia y sus reflexiones en el año 1994 para una crítica de la razón por la cual la bioética . Su pensamiento, siempre en la misma perspectiva, la puerta a cuestionar la existencia y las contribuciones del materialismo dialéctico en el estudio de la naturaleza: la ciencia y la dialéctica de la naturaleza (1998). Este trabajo se extiende por la publicación en2005 del libro Emergencia, la complejidad y la dialéctica , coordinado por Janine Guespin-Michel  , el capítulo central está especialmente dirigido a los científicos, y demuestra el potencial uso de las categorías dialécticas en la epistemología de los sistemas dinámicos no lineal . Seis contribuciones de los científicos completar la discusión de estas categorías.

Se ha comprometido desde 2004 en la publicación de una síntesis de varios volúmenes con el pensamiento de Marx hoy en día , el primer volumen se titula Marx y que y el otro "hombre"? .

Toda su obra es un interrogatorio de la esencia humana y el lugar de la persona en un materialista dialéctico e histórico. En particular, este trabajo se extendió en el 2006 en un libro que hace un balance de la cuestión y se reúne cuatro artículos en diversas revistas y periódicos a lo humano? - Bioética y la Democracia 

El precio de la racionalista de la Unión le fue concedido en 2008 por su trayectoria.

Él dimitió del PCF a finales de abril de 2010 regionales, denunciando lo que él ve como un "endurecimiento en la práctica democrática" una parte "no ha logrado transformarse a sí mismo". Añadió en una carta a los militantes que no se detiene la lucha: "¿Para donde voy Porque lo que no existe todavía, en un edificio de una manera de inventar, aunque lo considero como una estructura muy modesta unidad de los comunistas puede ser muy útil para comenzar lo que debe ser " ³ . Su análisis, que a veces conduce a las reacciones de los grandes a nivel local  , sugiere el modo de transformar el PCF y una estrategia para el establecimiento del comunismo como él lo ve, que se basaría en la tesis estratégica Marx que "la emancipación de los trabajadores vendrá de los propios trabajadores".

Pop Art

1. Pop Art: Introducción 

El Pop Art tiene sus orígenes en Londres, en 1952, cuando un grupo de jóvenes artistas se propusieron una renovación del hecho artístico. La obra de Richard Hamilton, ¿Qué es lo que hace que las cosas de hoy sean tan diferentes, tan agradables? es un collage fotográfico calificado como el primer cuadro Pop del mundo. En él se representa un interior con diversos elementos, que después serán típicos de la iconografía Pop (televisor, grabador, una viñeta de cómic ampliada, fotos de revistas, carteleras de cine, etc.). La obra representa dos absurdas figuras que se pavonean en una sala llena de objetos y se pueden apreciar los principales rasgos del Pop Art: descontextualización, incongruencia, provocación y buen humor. 

El nombre apareció en Gran Bretaña acuñado por Lawrence Alloway en 1955 y se utili¬zó para designar una tendencia que retoma las imágenes de los mass-media y otros productos destinados al consumo de masas. 
Como sus formas y temas son fáciles y divertidos, como su contenido más superfi¬cial puede ser captado sin dificultad, el Pop fue apreciado y aplaudido por un público amplio. De hecho, fue reconocido antes por el gran público y revistas de gran tirada como Life que por los museos de arte contemporá¬neo y por los críticos. 
El Pop Art, al inspirarse en las imágenes de la publi¬cidad y al ser ovacionado por un público de masas, en¬cantado de reconocer objetos corrientes en los cuadros y de ahorrarse el esfuerzo que representaba la interpreta¬ción de las obras del expresionismo abstracto, se vio en una situación que hacía difícil comprender su carga de ironía y de ambigüedad, que ocultaba su relación con el dadaísmo o el surrealismo. Además, en el Pop Art seguían ex¬presándose algunos aspectos característicos del expresio¬nismo abstracto, principalmente la insistencia en las cualidades táctiles de la superficie y la estrecha relación del arte de hoy con su entorno y la vida urbana. 
La finalidad del Pop era describir lo que hasta entonces había sido considerado in¬digno de atención e impropio del arte: la publicidad, las ilustraciones de las revistas, los muebles, los vestidos, las latas de conservas, la comida, los cómics”, etc. Se habían roto todos los tabúes: para el Pop parecían mejores las cosas cuanto más vulgares y baratas fuesen. Muchos de los artistas pop ni siquiera se preocupaban de inventar imágenes: lo único que hacían era tomarlas ¬de la realidad. De¬sarrollaron sus obras utilizando las imágenes desacredi¬tadas, tomadas de la cultura de masas. Empeñados en minar la historia del arte, estaban convencidos de que el cine y la televisión habían modificado los hábitos visuales y de que la divulgación y abundancia de las reproducciones artísticas habían convertido lo que hasta entonces eran obras maestras en lugares comunes repetidos. 
Pero además de emplear las imágenes de la cultura de masas, el Pop se apropió de las técnicas de la producción masiva. Rauschenberg y Johns abandonaron la idea de obra única en favor de la producción de composiciones seriadas; Warhol llevó esta idea un poco más lejos al adoptar la técnica de la serigrafía, capaz de imprimir cientos de estampas idénticas. Wesselmann utilizaba un carpintero para un acabado industrial perfecto en sus construc¬ciones. 
Pop no tiene nada que ver con el concepto de popular, que reconoce la creatividad del pueblo, sino más bien con la no-creatividad de la masa. Cuando se habla de arte popular, se habla de una arte como resultado de la experiencia directa del individuo en su comunidad y en su ambiente natural: el conjunto de obras realizadas por individuos fuertemente arraigados en la tradición estética de su comunidad. 


2. Principales artistas pop en Nueva York 

Roy Lichtenstein (estadounidense, 1923-1997) desarrolló una pintura estre¬chamente vinculada al comic. Su método estriba en copiar de manera fidedigna determinadas bandas de cómics, alterando alguno de los detalles, en grandes formatos, con colores primarios sin gradaciones intermedias, potenciando los contornos. Los tonos de piel los conseguía mediante una trama de puntos, realizada vaporizando colores a través de una lámina metálica perforada. Sus temas son el amor -figuras femeninas en espera del amado- y las hazañas bélicas. También introduce textos en globos como en las viñetas del género 

 


James Rosenquist (1933) nació en Dakota del Norte y fue a Nueva York para ganarse la vida. Mientr¬as estudiaba Arte, trabajó para una empresa de publicidad como pintor de letreros. Acostumbrado a ver de cerca formas gigan¬tescas, objetos enormes y océanos de colores, se dio cuenta de que tales imágenes, vistas así, adquirían una nueva significación. Entonces comprendió las posibilidades que ofrecían las grandes dimensiones. “Mi obra -dijo¬- es una inflación visual. Vivo dentro de ella. La pintura es más apasionante que la publicidad, ¿por qué no ejecutarla con el mismo brío y la misma fuerza?”. 

 


Jasper Johns (1930- ) empezó con una serie de cuadros en los que la tela aparecía enteramente cubierta por una imagen plana y árida de la bandera americana; a partir de ese momento utilizó imágenes tales como blancos de tiro y números, íconos que se graban en la imaginación con la inmediatez de la señalización. Pintaba aplicando gruesas capas de pintura de modo que el propio cuadro se convirtiera en un objeto y no sólo en la reproducción de objetos reconocibles. 



David Hockney (inglés, 1937) pinta a partir de fotografías –preferentemente escenas en piscinas-, en un estilo deliberadamente ingenuo y colorista: superficies planas de pintura acrílica y gran profusión de líneas de esmerado dibujo. 

 

La figura del Pop, en la escuela de Nueva Cork, es Andy Warhol (estadounidense, 1928-1987). Comenzó su carrera haciendo publicidad para zapatos, tarjetas postales y vidrieras. Técnicamente introdujo el procedimiento de la serigrafía, la que le permitía efectuar series sobre un mismo tema con variación de los colores empleados. Basándose en el original fotográ¬fico, utilizaba la imagen de famosos y de los productos de consumo para realizar una transformación del color y de la mancha ofreciendo imágenes aparentemente idénticas. 
El mundo de los mitos cinematográficos, las noticias sensacionalistas, las imágenes publicitarias y los objetos más banales del entorno inmediato constituyen su iconografía. Utilizando fotogra¬fías de prensa contemporáneas, y repitiéndolas en la misma superficie múltiples veces, logró hacer impresio¬nantes las escenas a las que estamos acostumbrados, arran¬cándolas a su contexto habitual y trasladándolas al dominio del arte. 


Tom Wesselmann (1931) pintó bodegones y desnudos de una simplicidad agresiva, en colores planos. Lo más original de su aporte al pop art son sus assemblage (pintura y collage de objetos). En estas obras, que representaban interiores con desnudos sin rostro o sumariamente indicado, incorporaba teléfonos reales que sonaban, aparatos de radio y televisores encendidos. 

 


3. El pop europeo 

Los europeos son más críticos. Wolf Vostell (alemán, 1932) acuñó el término decollage para distinguirlo del collage y designar así la técnica mediante la cual desgarra a medias carteles para dejar ver trozos de otros carteles, pe¬gados debajo de los primeros. Estas obras responden a la estética de la destrucción y con ello pretende decir que este mundo contemporáneo es tan negativo y agresivo que no permite entender el presente y menos el pasado. 



La misma técnica del decollage ha hecho célebres las obras del italiano Mimmo Rotella (1918-2006). 

 



4. La escultura pop 

Claes Oldenburg (sueco, 1929) es el principal representante de la escultura pop. En 1961, abrió un negocio en Nueva York donde vendía reproducciones en escayola de hamburguesas, sandwiches, tortas, helados y otros tipos de comida. 

Más tarde construyó nuevas versiones de estos objetos, a escala gigantesca, realizados con vinilo relleno de espuma de caucho. 

 


Luego incorporó a su repertorio elementos cotidianos de todo tipo. Este acercamiento al arte, descarado, a menudo humorístico, se oponía a la sensibilidad predominante de que, por su propia naturaleza, el arte tiene que ver con ideas o expresiones profundas, trascendentes. Muchas de las esculturas gigantescas de Oldenburg fueron ridiculizadas por el público antes de ser asumidas como aportaciones originales y divertidas al paisaje urbano. 


Continuó utilizando materiales blandos, sobre todo el vinilo y las lonas para sus series de objetos escultóricos posteriores como accesorios de cuarto de baño y electrodomésticos. Estas obras, llamadas esculturas blandas, transforman el objeto de uso cotidiano gracias al cambio de escala y de material (vinilo, fibra de vidrio, yeso, plásticos), pero a su vez, trastoca el concepto de escultura tradicional que consistía en encerrar la forma en un material rígido. 

Los Campeones

campeones se le llamaba al visionado de un largometraje  en una sala de cine,por lo general se visionaba cada viernes o sábado lo que se filmo esa semana. se suele confundir con el visionado del copion, pero son dos cosas distintas en verdad. los campeones se realizaban en la mayoría de los casos por pedido del director y los utilizaba cuando tenias dudas sobre una toma o alguna dudad de esas características,aunque también dependían mucho del nivel de la producción para realizarlos.

Hoy en día se siguen realizando en algunos casos campeones pero estos no son "VERDADEROS" campeones, ya que los campeones eran mudos, porque se rodaba en fílmico en cambio hoy en día con el cine digital por lo menos se tiene el sonido referencia de la cámara. El ultimo campeón que se realizo en fílmico fue hace aproximadamente 20 años.

Fuente:
Cinecolor Argentina
Ines Cullen

Maya Deren (Kiev, 29 de abril de 1917 - Nueva York, 13 de octubre de 1961) fue una directora de cine, bailarina, coreógrafa, poeta y escritora.

Nació en Kiev, Ucrania, con el nombre de Eleanora Derenkowsky, pero desarrolló su carrera profesional en Estados Unidos. En 1922 después de una serie de pogromos antisemitas y por las simpatías de su padre por León Trotsky, la familia voló a Siracusa, Nueva York. El padre acortó el nombre familiar a "Deren" poco tiempo después de llegar a Nueva York. Se unió al cuerpo de psiquiatras en el “State Institute for the Feeble-Minded” en Siracusa. Su madre se mudó a París para estar con su otra hija, mientras ella asistía a la “League of Nations School” en Ginebra, Suiza desde 1930 hasta 1933. En 1928, se hizo ciudadana de los Estados Unidos de América.

Deren comenzó sus estudios de grado en la Universidad de Siracusa, donde se une a la “Trotskyist Young People's Socialist League”. A través de la liga de jóvenes socialistas conoce a Gregory Bardacke, con quien se casaría más tarde a la edad de dieciocho años. Después de graduarse en 1935 se mudó a la ciudad de Nueva York. Ella y su esposo se volvieron protagonistas de varias causas socialistas en la ciudad. Ella se graduó de la Universidad de Nueva York y luego se separa de Gregory. El divorcio estuvo completo en 1939. Comenzó estudios de maestría en literatura inglesa en la “New School for Social Research” y los completa en el “Smith College”.

Después de graduarse en el Smith, Deren regresó a la “New York’s Greenwich Village” donde trabajó como secretaria free-lance. En 1941 se convierte en la secretaria personal de la coreógrafa Katherine Dunham, al final de una gira la compañía de danza se detuvo en Hollywood. Ahí fue donde Deren conoció a Alexandr Hackenschmied, un fotógrafo y camarógrafo checo muy conocido, quien se convertiría en su segundo esposo en 1942. Hackenschmid voló a Checoslovaquia después del avance de Hitler. Cambio su nombre por petición de Deren a Alexander Hammid (Pseudonimo Sasha) porque Deren pensó que Hackenschmid sonaba muy judío, sin embargo él no lo era.

Se la considera la madre de cine underground en Estados Unidos. Lo significativo de su aporte es que toda su carrera corre en paralelo a la apertura de nuevas vías para el cine de vanguardia. Su obra sirvió de bisagra entre las artes plásticas y el cine. Maya Deren fue la primera directora de cine estadounidense que visitó institutos y universidades para dar a conocer el cine experimental. Para comprender el conjunto de su obra, es necesario considerar los tres pilares fundamentales de su formación artística:

§  En primer lugar, desde 1941 se formó con la bailarina, coreógrafa y antropóloga Katherine Dunham, que popularizó las danzas afrocubanas y afrocaribeñas y escribió una tesis sobre las danzas de Haití. Maya Deren analizó y filmó durante tres años su trabajo en Haití.

§  En segundo lugar, la influencia de Galka Scheyer, marchante de arte y profesora. Ella fue quien introdujo a Maya Deren en ciertos elementos de psicoanálisis junguiano y la inspiró en el trabajo de ciertos arquetipos universales: el mar, la mitología griega, referencias al cuerpo humano,...

§  La tercera influencia de Deren será el cineasta de origen checo Alexander Hammid, su segundo marido, quien la introdujo en las técnicas cinematográficas.

La autora definía sus propias obras con el término "películas de cámara", puesto que sus películas aspiran a llegar a un público no muy amplio, a un público intimista. No aspira a exhibirse en los grandes cines, pero tampoco a la marginalidad. Sus circuitos serán las universidades, museos, etc. todo lo que estaba en manos del arte pero a lo que el cine no había accedido todavía.

En 1946 fue galardonada con la Beca Guggenheim por su creatividad fílmica. En 1947 ganó también el Gran Premio Internacional para un film de 16mm experimental “Meshes in the afternoon” en el Festival Internacional de Cine de Cannes.

FILMOGRAFIA

§  Meshes of the Afternoon (1943) con Alexander Hammid, música de Teiji Ito añadida en 1959

§  At Land (1944) fotografía de Hella Heyman y Alexander Hammid

§  A Study in Choreography for Camera (1945) con Talley Beatty

§  Ritual in Transfigured Time (1946) colaboración coreográfica con Frank Westbrook y Rita Christiani

§  The Private Life of a Cat (1947) codirigida con Alexander Hammid

§  Meditation on Violence (1948)

§  The Very Eye of Night (1952-55)

 Sin terminar

§  The Witches' Cradle (1943) con Marcel Duchamp y Pajorita Matta

§  Medusa (1949) con Jean Erdman

§  Haitian Film Footage (1947-55)

§  Season of Strangers (1959)

Su película más destacada es Meshes of the afternoon de 1943, codirigida con su entonces esposo, Alexander Hammid. En ella parte de lo onírico en el cine y la pintura europea y hace de la mujer la protagonista, interpretada por ella misma.

MAYA DEREN

MESHES OF THE AFTERNOON

En este film de Maya podemos observar como a pesar de ser una película de cine experimental también se puede llegar a tener un sentido narrativo (hay continuidad en las imágenes) y nos da la facilidad de poder metaforizar con algunas de sus imágenes, aunque también hay mucha presencia de lo onírico en conjunto con una música de ritmo lenta, tensa por momentos con cierta tendencia a la música oriental.

Con mucha variación en movimientos de cámara, ya sean travellings paneos, la cámara siempre corrige para componer ya sea con movimientos lentos o también muy rápidos.