Corto experimental

En este corto experimental voy a tratar de crear una versión del pop-art pero para el cine, es decir una una visión en video del pop art, perdiendo un poco la compiscion de als imágenes del pop art y guiándome mas a través de su paleta de colores y la intención de demostrar todo lo ficticio alrededor de la imagen, tratando de registrar todo lo cotidiano, la ciudad, las revistas, los trenes, el dia a dia pero encontrar lo ficticio en ello a treves de esta concecion de colores y la multimplicacion de imagenes. Con movimeintos de cámara lentos  y un montaje con superposición de imágenes con colores saturados en casos específicos dependiendo la importancia de la imagen que cada vez debe ser ams fuerte.

Preguntas del texto de kracauer

1_ ¿Que es un film argumento
2_  una pantalla que trasmita una historia peirda automaticamente el sentido cinematico. ¿que tipo de cine nos trae esta reflexion?
3_ ¿un estilo de filmacion onirica y surrealista ¿a que tipo de cine hacemos referencia?
4_  ¿que es la avant garde?

Lucien Sève

Lucien Sève , nacido 9  diciembre  1926 en Chambéry , es un filósofo francés .

Admitido en 1945 en la Ecole Normale Supérieure (rue d'Ulm) , se agregan en la filosofía , en 1949 .

profesor de filosofía en la Escuela Francesa de Bruselas en 1950 , fue despojado de su cargo por "propaganda marxista - leninista  ".

 Con nombre en una pequeña ciudad francesa, se escapa el sobreseimiento definitivo de la Educación Nacional mediante la asignación en el 1952 a una unidad disciplinaria del ejército en Argelia . Se puede acceder a cualquier puesto de la educación superior o de investigación.

 Será durante veinte años profesor de filosofía en el último año de la escuela secundaria .

Publicó en 1956 una antología de textos comentados estaba grande, que le llevó a profundizar en la filosofía francesa académica xix ^º  siglo en el que muestra el papel de Victor Cousin en la represión contra el materialismo y la dialéctica en el marco del Segundo Imperio y ecos.

Lucien Sève fue elegido miembro del Comité Central del Partido Comunista Francés en 1961  , siguió siendo un miembro hasta 1994 .

En 1964 , un artículo en la revista escolar y de la nación tiene un importante impacto e importancia en la enseñanza pública y más allá: 'regalos' no existen .

Publicó en 1969 el marxismo y teoría de la personalidad . Este libro da lugar a un debate muy estrecha con Louis Althusser acerca de la interpretación de la VI ^ª tesis sobre Feuerbach, Marx y la conceptualización de la "esencia humana".

De 1970 a 1982 , dirigió la publicación Social.

En 1980 , aparece una introducción a la filosofía marxista , que pinta un panorama crítico de la filosofía clásica y las contribuciones de los grandes pensadores materialistas antiguos y Marx y Engels , Lenin, Gramsci y Mao Zedong .

En 1984 , Lucien Sève pide "radical reforma" comunista. Refundición se desarrolla sobre la base de un estudio detallado de las obras de Marx y Engels, y que esta en el comunismo, que un segundo aire?

Miembro del Comité Consultivo Nacional de Ética para el 1983 al 2000 , que promueve el concepto de "  persona en potencia  "para resolver las numerosas contradicciones que las éticas , médicas, en particular, las caras. Se presentan los resultados de su experiencia y sus reflexiones en el año 1994 para una crítica de la razón por la cual la bioética . Su pensamiento, siempre en la misma perspectiva, la puerta a cuestionar la existencia y las contribuciones del materialismo dialéctico en el estudio de la naturaleza: la ciencia y la dialéctica de la naturaleza (1998). Este trabajo se extiende por la publicación en2005 del libro Emergencia, la complejidad y la dialéctica , coordinado por Janine Guespin-Michel  , el capítulo central está especialmente dirigido a los científicos, y demuestra el potencial uso de las categorías dialécticas en la epistemología de los sistemas dinámicos no lineal . Seis contribuciones de los científicos completar la discusión de estas categorías.

Se ha comprometido desde 2004 en la publicación de una síntesis de varios volúmenes con el pensamiento de Marx hoy en día , el primer volumen se titula Marx y que y el otro "hombre"? .

Toda su obra es un interrogatorio de la esencia humana y el lugar de la persona en un materialista dialéctico e histórico. En particular, este trabajo se extendió en el 2006 en un libro que hace un balance de la cuestión y se reúne cuatro artículos en diversas revistas y periódicos a lo humano? - Bioética y la Democracia 

El precio de la racionalista de la Unión le fue concedido en 2008 por su trayectoria.

Él dimitió del PCF a finales de abril de 2010 regionales, denunciando lo que él ve como un "endurecimiento en la práctica democrática" una parte "no ha logrado transformarse a sí mismo". Añadió en una carta a los militantes que no se detiene la lucha: "¿Para donde voy Porque lo que no existe todavía, en un edificio de una manera de inventar, aunque lo considero como una estructura muy modesta unidad de los comunistas puede ser muy útil para comenzar lo que debe ser " ³ . Su análisis, que a veces conduce a las reacciones de los grandes a nivel local  , sugiere el modo de transformar el PCF y una estrategia para el establecimiento del comunismo como él lo ve, que se basaría en la tesis estratégica Marx que "la emancipación de los trabajadores vendrá de los propios trabajadores".

Pop Art

1. Pop Art: Introducción 

El Pop Art tiene sus orígenes en Londres, en 1952, cuando un grupo de jóvenes artistas se propusieron una renovación del hecho artístico. La obra de Richard Hamilton, ¿Qué es lo que hace que las cosas de hoy sean tan diferentes, tan agradables? es un collage fotográfico calificado como el primer cuadro Pop del mundo. En él se representa un interior con diversos elementos, que después serán típicos de la iconografía Pop (televisor, grabador, una viñeta de cómic ampliada, fotos de revistas, carteleras de cine, etc.). La obra representa dos absurdas figuras que se pavonean en una sala llena de objetos y se pueden apreciar los principales rasgos del Pop Art: descontextualización, incongruencia, provocación y buen humor. 

El nombre apareció en Gran Bretaña acuñado por Lawrence Alloway en 1955 y se utili¬zó para designar una tendencia que retoma las imágenes de los mass-media y otros productos destinados al consumo de masas. 
Como sus formas y temas son fáciles y divertidos, como su contenido más superfi¬cial puede ser captado sin dificultad, el Pop fue apreciado y aplaudido por un público amplio. De hecho, fue reconocido antes por el gran público y revistas de gran tirada como Life que por los museos de arte contemporá¬neo y por los críticos. 
El Pop Art, al inspirarse en las imágenes de la publi¬cidad y al ser ovacionado por un público de masas, en¬cantado de reconocer objetos corrientes en los cuadros y de ahorrarse el esfuerzo que representaba la interpreta¬ción de las obras del expresionismo abstracto, se vio en una situación que hacía difícil comprender su carga de ironía y de ambigüedad, que ocultaba su relación con el dadaísmo o el surrealismo. Además, en el Pop Art seguían ex¬presándose algunos aspectos característicos del expresio¬nismo abstracto, principalmente la insistencia en las cualidades táctiles de la superficie y la estrecha relación del arte de hoy con su entorno y la vida urbana. 
La finalidad del Pop era describir lo que hasta entonces había sido considerado in¬digno de atención e impropio del arte: la publicidad, las ilustraciones de las revistas, los muebles, los vestidos, las latas de conservas, la comida, los cómics”, etc. Se habían roto todos los tabúes: para el Pop parecían mejores las cosas cuanto más vulgares y baratas fuesen. Muchos de los artistas pop ni siquiera se preocupaban de inventar imágenes: lo único que hacían era tomarlas ¬de la realidad. De¬sarrollaron sus obras utilizando las imágenes desacredi¬tadas, tomadas de la cultura de masas. Empeñados en minar la historia del arte, estaban convencidos de que el cine y la televisión habían modificado los hábitos visuales y de que la divulgación y abundancia de las reproducciones artísticas habían convertido lo que hasta entonces eran obras maestras en lugares comunes repetidos. 
Pero además de emplear las imágenes de la cultura de masas, el Pop se apropió de las técnicas de la producción masiva. Rauschenberg y Johns abandonaron la idea de obra única en favor de la producción de composiciones seriadas; Warhol llevó esta idea un poco más lejos al adoptar la técnica de la serigrafía, capaz de imprimir cientos de estampas idénticas. Wesselmann utilizaba un carpintero para un acabado industrial perfecto en sus construc¬ciones. 
Pop no tiene nada que ver con el concepto de popular, que reconoce la creatividad del pueblo, sino más bien con la no-creatividad de la masa. Cuando se habla de arte popular, se habla de una arte como resultado de la experiencia directa del individuo en su comunidad y en su ambiente natural: el conjunto de obras realizadas por individuos fuertemente arraigados en la tradición estética de su comunidad. 


2. Principales artistas pop en Nueva York 

Roy Lichtenstein (estadounidense, 1923-1997) desarrolló una pintura estre¬chamente vinculada al comic. Su método estriba en copiar de manera fidedigna determinadas bandas de cómics, alterando alguno de los detalles, en grandes formatos, con colores primarios sin gradaciones intermedias, potenciando los contornos. Los tonos de piel los conseguía mediante una trama de puntos, realizada vaporizando colores a través de una lámina metálica perforada. Sus temas son el amor -figuras femeninas en espera del amado- y las hazañas bélicas. También introduce textos en globos como en las viñetas del género 

 


James Rosenquist (1933) nació en Dakota del Norte y fue a Nueva York para ganarse la vida. Mientr¬as estudiaba Arte, trabajó para una empresa de publicidad como pintor de letreros. Acostumbrado a ver de cerca formas gigan¬tescas, objetos enormes y océanos de colores, se dio cuenta de que tales imágenes, vistas así, adquirían una nueva significación. Entonces comprendió las posibilidades que ofrecían las grandes dimensiones. “Mi obra -dijo¬- es una inflación visual. Vivo dentro de ella. La pintura es más apasionante que la publicidad, ¿por qué no ejecutarla con el mismo brío y la misma fuerza?”. 

 


Jasper Johns (1930- ) empezó con una serie de cuadros en los que la tela aparecía enteramente cubierta por una imagen plana y árida de la bandera americana; a partir de ese momento utilizó imágenes tales como blancos de tiro y números, íconos que se graban en la imaginación con la inmediatez de la señalización. Pintaba aplicando gruesas capas de pintura de modo que el propio cuadro se convirtiera en un objeto y no sólo en la reproducción de objetos reconocibles. 



David Hockney (inglés, 1937) pinta a partir de fotografías –preferentemente escenas en piscinas-, en un estilo deliberadamente ingenuo y colorista: superficies planas de pintura acrílica y gran profusión de líneas de esmerado dibujo. 

 

La figura del Pop, en la escuela de Nueva Cork, es Andy Warhol (estadounidense, 1928-1987). Comenzó su carrera haciendo publicidad para zapatos, tarjetas postales y vidrieras. Técnicamente introdujo el procedimiento de la serigrafía, la que le permitía efectuar series sobre un mismo tema con variación de los colores empleados. Basándose en el original fotográ¬fico, utilizaba la imagen de famosos y de los productos de consumo para realizar una transformación del color y de la mancha ofreciendo imágenes aparentemente idénticas. 
El mundo de los mitos cinematográficos, las noticias sensacionalistas, las imágenes publicitarias y los objetos más banales del entorno inmediato constituyen su iconografía. Utilizando fotogra¬fías de prensa contemporáneas, y repitiéndolas en la misma superficie múltiples veces, logró hacer impresio¬nantes las escenas a las que estamos acostumbrados, arran¬cándolas a su contexto habitual y trasladándolas al dominio del arte. 


Tom Wesselmann (1931) pintó bodegones y desnudos de una simplicidad agresiva, en colores planos. Lo más original de su aporte al pop art son sus assemblage (pintura y collage de objetos). En estas obras, que representaban interiores con desnudos sin rostro o sumariamente indicado, incorporaba teléfonos reales que sonaban, aparatos de radio y televisores encendidos. 

 


3. El pop europeo 

Los europeos son más críticos. Wolf Vostell (alemán, 1932) acuñó el término decollage para distinguirlo del collage y designar así la técnica mediante la cual desgarra a medias carteles para dejar ver trozos de otros carteles, pe¬gados debajo de los primeros. Estas obras responden a la estética de la destrucción y con ello pretende decir que este mundo contemporáneo es tan negativo y agresivo que no permite entender el presente y menos el pasado. 



La misma técnica del decollage ha hecho célebres las obras del italiano Mimmo Rotella (1918-2006). 

 



4. La escultura pop 

Claes Oldenburg (sueco, 1929) es el principal representante de la escultura pop. En 1961, abrió un negocio en Nueva York donde vendía reproducciones en escayola de hamburguesas, sandwiches, tortas, helados y otros tipos de comida. 

Más tarde construyó nuevas versiones de estos objetos, a escala gigantesca, realizados con vinilo relleno de espuma de caucho. 

 


Luego incorporó a su repertorio elementos cotidianos de todo tipo. Este acercamiento al arte, descarado, a menudo humorístico, se oponía a la sensibilidad predominante de que, por su propia naturaleza, el arte tiene que ver con ideas o expresiones profundas, trascendentes. Muchas de las esculturas gigantescas de Oldenburg fueron ridiculizadas por el público antes de ser asumidas como aportaciones originales y divertidas al paisaje urbano. 


Continuó utilizando materiales blandos, sobre todo el vinilo y las lonas para sus series de objetos escultóricos posteriores como accesorios de cuarto de baño y electrodomésticos. Estas obras, llamadas esculturas blandas, transforman el objeto de uso cotidiano gracias al cambio de escala y de material (vinilo, fibra de vidrio, yeso, plásticos), pero a su vez, trastoca el concepto de escultura tradicional que consistía en encerrar la forma en un material rígido. 

Los Campeones

campeones se le llamaba al visionado de un largometraje  en una sala de cine,por lo general se visionaba cada viernes o sábado lo que se filmo esa semana. se suele confundir con el visionado del copion, pero son dos cosas distintas en verdad. los campeones se realizaban en la mayoría de los casos por pedido del director y los utilizaba cuando tenias dudas sobre una toma o alguna dudad de esas características,aunque también dependían mucho del nivel de la producción para realizarlos.

Hoy en día se siguen realizando en algunos casos campeones pero estos no son "VERDADEROS" campeones, ya que los campeones eran mudos, porque se rodaba en fílmico en cambio hoy en día con el cine digital por lo menos se tiene el sonido referencia de la cámara. El ultimo campeón que se realizo en fílmico fue hace aproximadamente 20 años.

Fuente:
Cinecolor Argentina
Ines Cullen

Maya Deren (Kiev, 29 de abril de 1917 - Nueva York, 13 de octubre de 1961) fue una directora de cine, bailarina, coreógrafa, poeta y escritora.

Nació en Kiev, Ucrania, con el nombre de Eleanora Derenkowsky, pero desarrolló su carrera profesional en Estados Unidos. En 1922 después de una serie de pogromos antisemitas y por las simpatías de su padre por León Trotsky, la familia voló a Siracusa, Nueva York. El padre acortó el nombre familiar a "Deren" poco tiempo después de llegar a Nueva York. Se unió al cuerpo de psiquiatras en el “State Institute for the Feeble-Minded” en Siracusa. Su madre se mudó a París para estar con su otra hija, mientras ella asistía a la “League of Nations School” en Ginebra, Suiza desde 1930 hasta 1933. En 1928, se hizo ciudadana de los Estados Unidos de América.

Deren comenzó sus estudios de grado en la Universidad de Siracusa, donde se une a la “Trotskyist Young People's Socialist League”. A través de la liga de jóvenes socialistas conoce a Gregory Bardacke, con quien se casaría más tarde a la edad de dieciocho años. Después de graduarse en 1935 se mudó a la ciudad de Nueva York. Ella y su esposo se volvieron protagonistas de varias causas socialistas en la ciudad. Ella se graduó de la Universidad de Nueva York y luego se separa de Gregory. El divorcio estuvo completo en 1939. Comenzó estudios de maestría en literatura inglesa en la “New School for Social Research” y los completa en el “Smith College”.

Después de graduarse en el Smith, Deren regresó a la “New York’s Greenwich Village” donde trabajó como secretaria free-lance. En 1941 se convierte en la secretaria personal de la coreógrafa Katherine Dunham, al final de una gira la compañía de danza se detuvo en Hollywood. Ahí fue donde Deren conoció a Alexandr Hackenschmied, un fotógrafo y camarógrafo checo muy conocido, quien se convertiría en su segundo esposo en 1942. Hackenschmid voló a Checoslovaquia después del avance de Hitler. Cambio su nombre por petición de Deren a Alexander Hammid (Pseudonimo Sasha) porque Deren pensó que Hackenschmid sonaba muy judío, sin embargo él no lo era.

Se la considera la madre de cine underground en Estados Unidos. Lo significativo de su aporte es que toda su carrera corre en paralelo a la apertura de nuevas vías para el cine de vanguardia. Su obra sirvió de bisagra entre las artes plásticas y el cine. Maya Deren fue la primera directora de cine estadounidense que visitó institutos y universidades para dar a conocer el cine experimental. Para comprender el conjunto de su obra, es necesario considerar los tres pilares fundamentales de su formación artística:

§  En primer lugar, desde 1941 se formó con la bailarina, coreógrafa y antropóloga Katherine Dunham, que popularizó las danzas afrocubanas y afrocaribeñas y escribió una tesis sobre las danzas de Haití. Maya Deren analizó y filmó durante tres años su trabajo en Haití.

§  En segundo lugar, la influencia de Galka Scheyer, marchante de arte y profesora. Ella fue quien introdujo a Maya Deren en ciertos elementos de psicoanálisis junguiano y la inspiró en el trabajo de ciertos arquetipos universales: el mar, la mitología griega, referencias al cuerpo humano,...

§  La tercera influencia de Deren será el cineasta de origen checo Alexander Hammid, su segundo marido, quien la introdujo en las técnicas cinematográficas.

La autora definía sus propias obras con el término "películas de cámara", puesto que sus películas aspiran a llegar a un público no muy amplio, a un público intimista. No aspira a exhibirse en los grandes cines, pero tampoco a la marginalidad. Sus circuitos serán las universidades, museos, etc. todo lo que estaba en manos del arte pero a lo que el cine no había accedido todavía.

En 1946 fue galardonada con la Beca Guggenheim por su creatividad fílmica. En 1947 ganó también el Gran Premio Internacional para un film de 16mm experimental “Meshes in the afternoon” en el Festival Internacional de Cine de Cannes.

FILMOGRAFIA

§  Meshes of the Afternoon (1943) con Alexander Hammid, música de Teiji Ito añadida en 1959

§  At Land (1944) fotografía de Hella Heyman y Alexander Hammid

§  A Study in Choreography for Camera (1945) con Talley Beatty

§  Ritual in Transfigured Time (1946) colaboración coreográfica con Frank Westbrook y Rita Christiani

§  The Private Life of a Cat (1947) codirigida con Alexander Hammid

§  Meditation on Violence (1948)

§  The Very Eye of Night (1952-55)

 Sin terminar

§  The Witches' Cradle (1943) con Marcel Duchamp y Pajorita Matta

§  Medusa (1949) con Jean Erdman

§  Haitian Film Footage (1947-55)

§  Season of Strangers (1959)

Su película más destacada es Meshes of the afternoon de 1943, codirigida con su entonces esposo, Alexander Hammid. En ella parte de lo onírico en el cine y la pintura europea y hace de la mujer la protagonista, interpretada por ella misma.

MAYA DEREN

MESHES OF THE AFTERNOON

En este film de Maya podemos observar como a pesar de ser una película de cine experimental también se puede llegar a tener un sentido narrativo (hay continuidad en las imágenes) y nos da la facilidad de poder metaforizar con algunas de sus imágenes, aunque también hay mucha presencia de lo onírico en conjunto con una música de ritmo lenta, tensa por momentos con cierta tendencia a la música oriental.

Con mucha variación en movimientos de cámara, ya sean travellings paneos, la cámara siempre corrige para componer ya sea con movimientos lentos o también muy rápidos.

Cabe destacar que la fotografía de este thriller matemático fue en blanco y negro, y que el compositor de la banda sonora de la misma fue su gran amigo Clint Mansell, colaborador habitual de Aronofsky en el resto de sus películas. El filme apenas costó 60.000 dólares, por lo que el mérito de la película es aún mayor.

¿ DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA TALENTOSO O EL 

MAESTRO DE LA MÚSICA?

Clinton Darryl "Clint" Mansell, (nacido el 7 de enero de 1963) es un músico Inglés compositor y ex vocalista y guitarrista de la banda de Pop Will Eat Itself .

Después de la disolución de Pop Will Eat Itself en 1996, Mansell fue introducido en música de cine , cuando el director Darren Aronofsky , le contrató para anotar su primera película, π .

 Mansell escribió la partitura de la próxima película de Aronofsky, Réquiem por un sueño , que ha sido bien recibido. Su composición principal " Lux Aeterna "se ha vuelto extremadamente popular, apareciendo en una gran variedad de anuncios y trailers de películas .

Composición de Mansell para The Fountain fue nominado a Mejor Banda Sonora Original en los 64 º Premios Anuales de los Globos de Oro . Sus otros resultados notables de la película incluyen la Luna , Smokin 'Aces , el luchador , y Cisne Negro .

Carrera

Pop

Mansell fue el cantante y guitarrista de Pop Will Eat Itself . Cuando PWEI firmó con Nothing Records , Mansell se convirtió en una estrecha amistad con Trent Reznor , y él realizó los coros en el álbum de 1999 The Fragile de Nine Inch Nails .

compositor de bandas sonoras

La música de Mansell de Darren Aronofsky 's π fue seguido por su puntaje para la siguiente película de Aronofsky, Réquiem por un sueño , que se convirtió en un culto de éxito. Desde su primera colaboración en 1996, Mansell ha compuesto la música de cada película de Aronofsky. 

Otros logros notables incluyen el tema de la película The Hole , la música para el episodio piloto de CSI: Nueva York , y la puntuación de las últimas películas de Aronofsky, The Fountain , que fue nominada a Mejor Música Original en los 64 º Premios Anuales de los Globos de Oro , y El Luchador . Mansell también ha contribuido la banda sonora de HBO Voyeur 's. Su trabajo más reciente ha estado en la banda sonora de Cisne Negro en 2010. y el videojuego 

trailers de películas

El trailer de El Señor de los Anillos: Las Dos Torres contenía una reorganizado versión de la canción "Lux Aeterna", con una orquesta completa y coro .  La obra, llamada " Requiem for a Tower ", fue grabado especialmente para la remolque. La orquestación fue organizada por Simone Benyacar, Dan Nielsen y Veigar Margeirsson . 

"Lux Aeterna" se ha convertido en muy popular, con el original y el "Requiem for a Tower", la versión que ha aparecido en una gran variedad de anuncios y trailers, incluyendo el trailer de la Red Sox - Yankees de juegos en el 2007 de las Grandes Ligas la temporada , y los trailers de las películas de Zathura , El Código Da Vinci , Sunshine , Babylon AD , y la serie de televisión Perdidos y Top Gear . También fue utilizado en Sky Sports News , y como el tema de fútbol Sábado 2007 a ​​2009.En 2006, el tema fue utilizado en los remolques Eurosport LIVE. El tema también fue utilizado por Got Talent de Estados Unidos como una introducción de los jueces antes de ser cambiado ligeramente. La nueva variante es ahora una pieza regular en el programa.

La pieza "La muerte es el camino hacia Awe" de la banda sonora de La Fuente fue ofrecido en un trailer de la película de 2007 I Am Legend , y el trailer de la película The Mist , así como el trailer de la películaFrost / Nixon , y hacia el final de 2007 El trailer de Final Cut de Blade Runner .

Sintonía Mansell tema para la película de ciencia-ficción Luna también aparece en el trailer de la película La Dama de Hierro .